Actrice Olga Dihovichnaya et Réalisatrice Anguelina Nikonova, Portrait au crépuscule, Flèche de Cristal 2011 ©Alexandra Fleurantin

Le jury, présidé par le réalisateur et comédien italien Michele Placido, avec à ses côtés l’écrivain Tonino Benacquista, les comédiennes Olivia Bonamy et Joséphine de la Baume, le musicien et compositeur André Manoukian, le comédien danois Thure Lindhardt et la productrice franco-danoise Marianne Slot a salué la qualité de la sélection qui lui a permis de découvrir de «vrais films d’auteurs intransigeants et magnifiques».

Au terme d’une semaine consacrée au cinéma européen le jury a décerné la Flèche de Cristal au long-métrage Portrait au crépuscule d’Angelina Nikonova, en partenariat avec LVT Digimage. Le film, distribué par Rezo Films, sortira en France le 22 février 2012.

L’ensemble du Palmarès 2011 est révélé sur notre site Internet.

Actress Olga Dihovichnaya and director Anguelina Nikonova, Twilight Portrait, Crystal Arrow 2011 ©Alexandra Fleurantin

The jury, chaired by Italian director and actor Michele Placido, along with writer Tonino Benacquista, actresses Olivia Bonamy and Josephine de la Baume, musician and composer André Manoukian, Danish actor Thure Lindhardt and Franco-Danish producer Marianne Slot praised the quality of the selection that allowed him to discover « uncompromising and beautiful films ».

After a week dedicated to European cinema the jury awarded the Crystal Arrow to the feature film Twilight portrait by Angelina Nikonova, in partnership with LVT Digimage. The film, distributed by Rezo Films, will be released in France in February 22nd, 2012.

The complete 2011 Awards are revealed on our website.

C’est par la projection de Dieci Inverni de Valerio Mieli que les élèves ont commencé le festival dimanche 11 décembre. Dans cette histoire d’amour racontée en dix hivers successifs, les élèves ont été sensibles aux images. Laura, Coralie et Loriane ont apprécié la métaphore de « l’hiver qui symbolise l’hibernation de la relation amoureuse congelée qui ne démarre pas, et qui met dix ans pour arriver à terme ».

Selon Amandine, Solène et Morgan, le thème de « l’amour à Venise peut paraître stéréotypé, cependant, Valerio Mieli parvient à créer une atmosphère plus froide et poétique qui illustre la pudeur sentimentale des deux protagonistes, à l’instar de l’ambiance crépusculaire qui imprègne l’ensemble du film.  La narration est rythmée par de nombreuses ellipses, amenant le spectateur à user de son imagination afin de combler les vides entre chacun des hivers. La musique, à la fois douce et mélancolique, contribue également à l’atmosphère poétique du film».

Apolline, Claire et Paloma ont analysé la lumière de la même manière dans leur critique : « La lumière utilisée est toujours dans les tons de gris bleu. Malgré tout elle reste très claire. Et même si elle est froide, elle est très poétique. Elle représente ainsi les deux éléments directeurs de cette histoire : l’hiver et l’amour. On se rend alors compte que les sentiments sont gelés, figés. »

Elles concluent sur l’originalité du scénario « car ce n’est pas l’histoire d’amour en elle-même qui est racontée, il s’agit seulement de son prologue ».

A l’inverse, l’avant-première d’Une vie meilleure de Cédric Kahn a fait l’objet de critiques très négatives. Manon et Marion remarquent par exemple que le film s’égare dans différentes directions : le portrait d’un homme écorché par la vie, le récit d’un surendettement, une relation amoureuse, la construction d’une relation entre père et beau-fils. Tout cela «ne permet pas de distinguer l’intention du réalisateur. Nous ne comprenons donc pas quel message il veut faire passer : veut-il nous prévenir des aléas de la vie et de la façon dont celle-ci peut mal tourner ? Veut-il tout simplement nous montrer une histoire d’amour dans une vie difficile ? Ou encore nous faire part des difficultés pour un homme d’élever un enfant qui n’est pas le sien ? ».

Elles soulignent les « incohérences du scénario, et des ruptures brutales mal amenées ». Cindy confirme que l’ensemble n’est pas crédible : « Les ellipses n’arrangent pas l’impression de trop grande rapidité de l’intrigue » et elle ajoute que  « malheureusement les répliques sont assez plates, à l’image du reste des dialogues ».

C’est Gipsy, du réalisateur slovaque Martin Sulik, qui a retenu l’attention de Manon, Marion, Laura et Coralie lundi après-midi. Cette histoire d’ un jeune tzigane tiraillé entre fidélité à ses racines et désir de vivre comme les « blanc s»  nous « immerge totalement » dans la vie ce peuple dont la musique berce chaque image d’un film « très esthétique » aux «  plans parfaitement cadrés et équilibrés ». Le film ne saurait cependant être réduit à cette beauté formelle : il interroge sur « la place des Tziganes dans la société », questionne l’image que les « visages pâles » s’en font, pointent crûment du doigt les responsabilités des uns et des autres. Si l’on y voit des Tziganes « voler dans les trains de marchandises (…), tout le village ne vole pas. » Et l’on peut remarquer que « les blancs agissent mal aussi, même s’ils n’utilisent pas les même moyens. » La séquence des autruches est à cet égard très emblématique : « des hommes du village qui n’ont pas été payés par leur employeur blanc lui volent des autruches en guise de salaire… : un moment d’humour qui donne de la légèreté à une situation dramatique tout en nous aidant à la comprendre et en nous laissant y réfléchir ».

Mardi matin, les élèves ont eu un temps d’échange avec Patrice Carré, journaliste au film français et sélectionneur de films pour le festival de Cannes. Les élèves ont apprécié que « chaque film d’auteur ait sa chance », qu’il « visionne le plus de films possibles afin de trouver celui ou ceux dans lesquels il trouvera une idée (…) Il ne se base pas sur ses goûts personnels et regarde ces films sans a priori . »

Mercredi matin, Jérémie Gandin, ancien journaliste à LCI, réalisateur indépendant de documentaires, est venu parler de son travail avec les élèves. D’après Théo : « Cette rencontre avec Jérémie Gandin, était très enrichissante, du fait qu’il nous a donné l’envie de faire ce métier de reporter. De plus, il nous a fait découvrir son travail, à travers les reportages et le duplex en direct d’Allemagne. Les avantages de son métier comme celui de voyager nous sont apparus clairement… Il a répondu à nos questions avec précision et des mots assez faciles, ou bien expliqués qui nous ont permis, même pour ceux qui ne suivent l’enseignement cinéma de comprendre son travail, et son évolution. »

Cette rencontre avec Jérémie Gandin, était très enrichissante, du fait qu’il nous a donné l’envie de faire ce métier de reporter. De plus, il nous a fait découvrir son travail, à travers les reportages, et le duplex, en direct d’Allemagne, et les avantages comme celui de voyager… Il a répondu à nos questions avec précisions et des mots assez faciles, ou bien expliqués qui nous ont permis, même à ceux qui ne suivent l’enseignement cinéma de comprendre son travail, et son évolution. Merci à lui.

]]> http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/2011/12/des-eleves-en-atelier-decriture-critique/feed/ 1 http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/2011/12/bruegel-le-moulin-et-la-croix/ http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/2011/12/bruegel-le-moulin-et-la-croix/#comments Fri, 16 Dec 2011 20:00:34 +0000 lycee http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/?p=1133 Continuer la lecture →]]> Bruegel : Le Moulin et la Croix de Lech Majewski

Le film de Lech Majewski consacré au tableau Le Portement de la Croix du célèbre peintre Bruegel est un projet consistant à transformer la peinture en film. Doté d’une esthétique minutieusement travaillée, anti-narratif, et presque entièrement silencieux, Bruegel : Le Moulin et la Croix s’avère construit sur une idée fort ingénieuse, mais happé par le ton intellectualisant que lui a conféré son auteur, il peut paraître assez hermétique aux yeux d’un large public.

L’idée sur laquelle Lech Majewski bâtit son film attise la curiosité par son ingéniosité et son originalité : il fait vivre un tableau immobile en choisissant de l’implanter dans un contexte spatio-temporel précis (l’invasion espagnole en Flandre au XVIème siècle) et il donne à ses nombreux personnages une vie, des habitudes, un passé, et, pour certains d’entre eux, un futur. Bruegel lui-même a une grande présence dans le film : tantôt en train de travailler, tantôt en train de vivre, parfois même immobile comme s’il était peint, il apparaît à la fois comme créateur et comme objet de création, et est un développement de la présence de Bruegel dans son propre tableau. Ce phénomène de mise en abîme est encore multiplié par la séquence où Bruegel, dessinant le croquis de son futur chef-d’oeuvre, montre l’endroit où il se placera ainsi que son ami. Du tableau on fait donc un film où le peintre est intégré à l’oeuvre, puis il s’intègre lui-même dans le tableau qu’il peint. L’analogie entre le film et le tableau implique un travail de l’esthétique très poussé. On peut en approuver le résultat : chaque plan est à lui seul un tableau riche de couleurs, de composition, de jeux de mouvements et de lumière, de l’animation aussi des personnages figés. Cette analogie est encore appuyée par le silence quasi-omniprésent du film ainsi que par l’immobilité d’une grande majorité de plans. On peut dire qu’il n’y a pas un film et un tableau, mais que le film est le tableau.

Ces partis-pris de mise en scène rendent cependant le film assez dur à suivre. L’absence de fil rouge, d’intrigue, ne permet pas de réelle sympathie avec les personnages, et cela est encore renforcé par le silence et les monologues très écrits qui ôtent de l’authenticité, de la crédibilité, et qui creusent au fil des minutes un fossé entre l’oeuvre et son destinataire. De plus, suivre autant de personnages sans histoire tangible relève de la performance. Enfin, les plans s’enchaînent sans logique apparente, et on perd le sens du film en ayant l’impression de voir le diaporama d’une étrange exposition de photogrammes. Quant au penchant contemplatif du film, il est évidemment en accord avec le thème de la peinture. Mais la lenteur, ainsi que la répétition systématique de plusieurs images de même type (on ne peut entrer dans la forêt sans avoir au moins quatre ou cinq plans fixes sur les arbres) détruisent tout le semblant d’action que pouvaient suggérer les mouvements des personnages. De plus, au nom de l’art, de la poésie, on voit parfois l’irrationalité des personnages poussée à des extrêmes. La vision par exemple du visage immobile et en gros plan de Bruegel avec en arrière plan un personnage marchant sur une colline peut laisser dubitatif, mais lorsque le personnage au fond trébuche et tombe, on a presque du mal à se retenir de rire. De même, lorsque l’on voit se joindre au personnage du musicien danseur un paysan soufflant dans son râteau comme dans un instrument, sans que cela dérange pour autant le musicien, on peut avoir le sentiment assez légitime d’être perdu au coeur d’une poésie de plus en plus hermétique. Enfin, si l’on s’installe dans la salle sans connaître le peintre, on peut se sentir étranger à cet univers.

Lech Majewski, plutôt que de se lancer dans une politique de démocratisation de l’art de Bruegel et de la peinture en général, se contente de construire une expérimentation que seuls les familiers de la peinture pourront apprécier à sa juste valeur, écartant du même coup le succès. Le film, qui aurait pu être un élément de compréhension de l’art Bruegellien est une déception, car il ne s’adresse qu’à des connaisseurs qui (en espérant  qu’ils n’aient pas ronflé trop fort pendant la projection !) s’émerveilleront peut-être devant l’art hermétique de Majewski. Comme le chantait Boris Vian en décrivant une « snobisme-partie » : « Il y a du coca, on déteste ça… » Mais on le boit quand même, parce que c’est dans le vent, c’est snob. Bruegel : le Moulin et la Croix pourrait être le coca d’une l’élite pensante qui complimenterait ce film de toute bonne foi, mais les yeux encore embués d’un sommeil lourd.

Critique collective

Un homme bloqué dans l'appartement de son amante. Un mari pseudo-justicier. Une invasion d'extraterrestres. Un voisin pot de colle. Voici comment on pourrait résumer ce film ovni tombé au milieu de la planète du cinéma.

À la lecture du titre, Extraterrestre, on s'attend à un film catastrophe, à une énième invasion de martiens, mais le réalisateur nous amène toujours là où on ne pensait pas aller. Un film angoissant ? Nacho Vigalondo nous offre un film plein d'humour. En effet on s'attend constamment au pire et le suspense monte souvent, mais il nous ramène toujours vers quelque chose de plus léger avec des touches comiques.

On peut voir le film à l'image du premier plan, une brèche entre les genres comme les premières images sont une brèche de lumière dans l'obscurité de la chambre.

Ainsi, ce film est un savant mélange entre les styles, qui détourne ces genres.

C'est d'abord évidemment un film de science fiction, mais sans aucun effet spécial : les extraterrestres sont juste suggérés, on ne voit qu'un quart du vaisseau, on en vient même à se demander s'ils existent. Vigalondo joue avec notre imagination pour inventer les élucubrations les plus improbables. On en vient même à croire qu'Angel, le voisin, est un extraterrestre, ou que Julia, l'héroïne, est infiltrée elle aussi.

Ce film est aussi bien sûr une histoire d'amour, qui emprunte beaucoup au théâtre : on retrouve la configuration classique du vaudeville—le mari, la femme, l'amant—auxquels il faut rajouter le voisin fâcheux. Le placard de Labiche est remplacé par la salle de bains, ou la tasse (on note qu'il y a une soucoupe, pas volante, mais roulante).

Extraterrestre est enfin, comme on l'a pu constater, un film comique. D'abord dans les situations, plus burlesques les unes que les autres, dans les quiproquos, les mensonges de plus en plus gros que les personnages inventent pour se sortir de leur hypocrisie de plus en plus grande.

Ce film est remarquable dans la qualité de la photographie, qui devient de plus en plus claire et colorée à mesure que l'esprit de Julio s'éclaircit.

Le mélange de bons ingrédients ne fait pas toujours un bon plat, mais ici on peut dire que l'alchimie est vraiment réussie !

Léa Troncy
Pierre Angelloz-Pessey
Anaïs Bolinard
Ségolène Peurois
Terminale cinéma (Lycée Louis Armand )

Une Vie meilleure (A better life) – 2011

Réalisé par Cédric Kahn, avec Guillaume Canet & Leila Behkti.

Yann, cuisiner sans emploi, rencontre Nadia au cours d’un entretien d’embauche infructueux. Ensemble, ils se lancent dans un projet ; démarrer un restaurant. Ils se voient alors contraints d’emprunter de l’argent et au fil des prêts et des dettes, plongent dans l’enfer du surendettement.

Le film s’ouvre d’emblée sur une conversation houleuse entre Yann (Guillaume Canet) et le patron d’un restaurant de Paris. Yann, sans grande expérience, demande qu’on lui laisse sa chance, mais en vain. Ces premières répliques sont malheureusement assez plates, à l’image du reste des dialogues. L’action rapide laisse ensuite vite place au personnage de Nadia (Leila Behkti), serveuse dans ce lieu : les deux personnages deviennent amants au bout d’une poignée de minutes. Cela se passe si rapidement que ce premier rendez-vous semble peu crédible. On se demande si il n’y a pas eu volonté d’expédier le background… Quel intérêt y a-t-il à nous montrer une rencontre aussi simpliste ?

Les ellipses qui suivent n’arrangent pas cette impression de trop grande rapidité de l’intrigue, puisqu’on retrouve subitement les personnages accompagnés de Slimane (le fils de Nadia à peine évoqué plus tôt) pendant une promenade champêtre. Combien de temps s’est-il écoulé depuis la dernière scène, qui nous montrait Yann prendre un café chez Nadia après leur soirée ? A l’issue de cette après-midi, les deux garçons, qui s’amusaient jusque-là avec un hélicoptère télécommandé dans la plus pure tradition « famille heureuse », découvrent ce qui semble être les vestiges d’un gîte perdu dans la forêt. Yann nourrit aussitôt le dessein de le restaurer avec le concours de Nadia. Problème : ils n’ont pas l’argent requis pour financer l’achat et les réparations. Le jeune homme prend alors une décision fatidique, celle de contracter plusieurs prêts à la consommation. Il embauche un de ses amis pour rénover l’endroit, en faisant l’impasse sur plusieurs éléments de sécurité essentiels. Arrive donc la signature, puis l’inspection sanitaire ; rien n’est aux normes. Le couple ne peut pas ouvrir le restaurant, et donc ne peut rembourser ses dettes qui s’accumulent rapidement avec les intérêts. A partir de là, une spirale infernale va démarrer, que certains pourront reprocher d’être excessive. Cependant, le drame du surendettement est malheureusement réel, et le film le dépeint avec conviction.

Sans surprise, le couple se détériore au fil des problèmes et finit par exploser ; Nadia reproche à Yann de pas vouloir lâcher le projet alors que tout semble perdu, tandis qu’à l’inverse il l’accuse de ne pas avoir foi en lui. Ils en viennent aux mains au cours d’une altercation violente, qui se termine par le départ de la jeune femme et de son fils de la caravane qu’ils partageaient précairement. Et, une fois encore, on assiste à une ellipse sans aucun sens, puisqu’on retrouve Nadia qui explique à Yann qu’elle accepte un job au Canada et qu’elle lui laisse Slimane jusqu’à ce qu’elle puisse se loger. La jeune femme vient de se faire frapper par Yann, mais lui confie son enfant ? On comprend cependant qu’elle n’a que lui, mais la transition reste trop rapide (on en déduit par ailleurs que ces écrans noirs d’une poignée de secondes représentent certainement plusieurs semaines).

Très vite, on devient sans nouvelle de la jeune femme, ce qui ne pourrait pas être grave si Slimane ou même Yann parlait d’elle. Mais rien n’est dit ou presque sinon l’enchaînement critique des galères ; le jeune homme fait louer le gîte, revend sa caravane et doit désormais vivre avec l’enfant dans un squat misérable, le tout payé assez misérablement par son travail dans une cantine scolaire.

L’intrigue de ce film est relativement compliquée. Par exemple on regrettera que le restaurant pour lequel le personnage de Yann s’est tant battu finisse par disparaître du film sans plus de cérémonies. A l’inverse, la scène où le jeune homme signe la vente fait écho à celle de l’acquisition du gîte et montre une certaine cohérence du récit. Mais malgré plusieurs points négatifs, Le film n’est cependant pas à jeter. Au contraire, certains points sont abordés avec beaucoup de subtilité, comme l’évolution de la relation entre Yann et Slimane. Celui-ci fait en effet office de boulet au commencement, mais va cependant finir par compter comme un vrai fils pour Yann. La prestation de Slimane Khettabi est remarquable de spontanéité. Cédric Kahn nous l’explique, il n’a pas engagé l’enfant le plus docile du casting mais au contraire, a fait confiance à l’improvisation du jeune garçon, et qui nous donne des scènes assez drôles à l’image de celle de la pêche qui provoque une peur panique chez Slimane, et des scènes plus intenses comme la confrontation de Yann au sujet des chaussures volées. On peut d’ailleurs noter sur cette séquence que Yann est totalement opposé au vol, une extrémité à laquelle il sera pourtant contraint de participer pour pouvoir s’échapper au Canada, à la recherche de Nadia dont on se préoccupe enfin. La balance entre humour et drame est toujours très équilibrée tout au long du film.

Le dernier tiers du long métrage se passe donc au Canada sur les traces de Nadia. On apprend qu’elle a quitté son travail à la suite d’un litige et qu’elle s’est fait emprisonner à la suite d’un malentendu. Yann découvre dans la foulée qu’il aime sincèrement la jeune femme, et lui promet de la sortir de là ; Slimane retrouve enfin sa mère, et le film se termine sur un petit cliché ; Yann et Slimane chevauchant une motoneige dans les étendues glacées. On a un petit sentiment d’inachevé, puisque les problèmes du trio sont loin d’être résolus, mais pas au point d’en être frustré.

Une vie meilleure est l’histoire de ces personnes de conditions modestes cherchant à tout prix à accéder à une vie meilleure. Ce n’est pas le film de l’année mais il à le mérite d’aborder un thème d’actualité majeur sans condamner qui ou quoi que ce soit et sans en faire trop. On regrettera cependant de ne pas savoir quoi tirer du long métrage : l’acharnement à se battre pour une cause perdue semble être à double tranchant, faut-il savoir quand renoncer ? On appréciera de revoir Guillaume Canet repasser devant la caméra aux côtés de la très convaincante Leila Bekhti.

Cindy (lycée Jean Moulin)

]]> http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/2011/12/une-vie-meilleure-de-cedric-kahn/feed/ 0 http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/2011/12/albert-nobbs-de-rodrigo-garcia/ http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/2011/12/albert-nobbs-de-rodrigo-garcia/#comments Fri, 16 Dec 2011 20:00:21 +0000 lycee http://www.lesarcs-filmfest.com/blog/?p=1136 Continuer la lecture →]]>

Un hôtel chic, les rues sales, le Dublin du XIX ème siècle… Voici le décor de Albert Nobbs, le dernier film de Rodrigo Garcia. On y découvre un homme timide, et très peu bavard travaillant dans l’hôtel d’une duchesse comme majordome. De loin le favori des clients mais aussi de ses collègues, Albert Nobbs semble l’employé modèle. Il cache pourtant un secret : en effet cet homme…. est une femme.

Glenn Close joue le rôle principal avec beaucoup de talent : même si le synopsis nous informe de la situation, on doute un instant de l’identité du personnage. Les cheveux courts, le visage marqué, les yeux calmes, l’actrice est frappante de réalisme. Ses manières, sa voix sont celles d’un homme, et même lorsqu’elle revêt une robe, cela sonne aussi faux que si elle s’était déguisée.

Tous les personnages de ce film se cachent derrière une image : les clients de l’hôtel se dissimulent avec leur argent, Joseph l’homme à tout faire se fait passer pour quelqu’un de bon, la patronne rampe devant ses clients et bien sûr Albert se camoufle dans son identité masculine.

Le réalisateur se livre à une intéressante analyse de l’hypocrisie parfois nécessaire pour s’en sortir. Grâce à cela, il critique la société de l’époque, qu’on nous montre comme inégalitaire, dure et intolérante. Certaines femmes se travestissent pour mieux gagner leur vie et vivre leur amour, la gérante de l’hôtel s’écrase devant ses pensionnaires pour conserver leur fidélité et ceux-ci abusent de leur pouvoir pour affirmer leur supériorité.

La solitude est également importante dans ce film. Le personnage cherche désespérément quelqu’un avec qui passer sa vie, pour combler le vide dans lequel il a toujours vécu. Beaucoup de ses actes le prouvent, notamment lorsqu’elle s’accroche à une personne avec qui l’on sait pertinemment que la relation est vouée à l’échec. Ou encore quand elle demande à son amie de vivre avec elle juste après le décès de sa compagne sous prétexte « qu’aucune de nous deux ne sera plus seule ».

Cette recherche de partenaire fait aussi partie du rêve que Albert cultive en secret : ouvrir une boutique de tabac pour laquelle elle économise depuis des années.

Ce mode de vie méticuleux laisse penser qu’elle atteindra son idéal et réalisera son objectif.

Alice Avrillier et Léa Flacher, élèves du Lycée Jean Moulin d’Albertville.

Dieci Inverni, film qui prend place dans une Venise hivernale, n’est pas une histoire d’amour comme les autres. C’est plutôt un prologue très long (puisqu’il dure dix hivers) à une rencontre amoureuse entre une jeune femme réservée, Camilla (Isabella Ragonese), et un homme plutôt extraverti, Silvestro (Michele Riondino).

On apprécie la photographie magnifique et l’ambiance brumeuse que dégage la ville qui fait office de décor. La lumière a un rôle très important, tout est filmé à l’aurore ou au crépuscule ce qui donne une atmosphère gris-bleu. Le contraste avec la lumière de l’intérieur est fort car elle y est plutôt jaune, les personnages étant éclairés par des bougies ou leur chauffage.

On note aussi le contraste entre les personnages, Camilla est introvertie mais évolue beaucoup, vit aussi deux vraies histoires d’amour, tandis que Silvestro semble plus extraverti mais qui change beaucoup moins (il emploie d’ailleurs souvent le mot « piccolo »). Il avance à la manière des escargots qu’il élève et ne vit que des flirts.

Ce film est très intense, Valerio Mieli filme des lieux emprunts de poésie et nous laisse avec de belles images plein la tête. Il nous fait voyager entre Venise et Moscou. Mieli ne nous laisse pas simples spectateurs mais nous implique presque en tant que personnages dans la mesure où on se sent à l’aise avec eux et avec leurs amis.

Les personnages, emplis de grâce, illuminent l’écran et cette Venise brumeuse en devient presque magique. Un film qui donne envie de mieux connaitre le cinéma italien !

Pierre Angelloz-Pessey et Léa Troncy, éléves de Terminale spécialité cinéma (Lycée Louis Armand)

Critique du film « Bruegel, le moulin et la croix »

Si Le portement de la croix, tableau du fameux peintre Bruegel, prenait vie ?

La vie de 12 des 500 personnages qui composent le tableau. Parmi ces 12 personnages : Bruegel qui, tout au long de l’histoire, explique à son ami collectionneur (et donc à nous) comment et pourquoi il a créé chacun des éléments qui composent son œuvre.

L’idée du réalisateur est très originale et sans doute unique. Expliquer la création de l’intérieur (ce qui est rendu possible par les nouvelles techniques numériques) et non de l’extérieur rend le film attrayant ; de plus, les musiques utilisées, typiques de l’époque, nous transportent vraiment dans l’univers du tableau. Nous remarquons aussi l’esthétique des plans. Chaque image est comme une œuvre, ce qui donne au film une réelle beauté d’image. En témoigne l’une des premières scènes, bercée par une lumière propre à l’époque du peintre, où l’on voit le meunier monter l’escalier menant au moulin.

Malgré tout, ces efforts restent seulement esthétiques, et l’histoire en elle même manque de vivacité, ce qui est plutôt gênant pour un film qui représente une mise en vie. Le manque de dialogues et d’actions peut également faire « décrocher » le spectateur. De plus, la présence de nombreux tableaux vivants crée un univers de musée qui peut freiner certains spectateurs. Judicieuse idée pour ce film donc, mais on a l’impression que le réalisateur s’est seulement focalisé sur l’esthétique et non sur l’histoire, ce qui est fort dommage.

Appoline, Paloma et Claire (lycée Jean Moulin)

Critique de « Dix hivers à Venise » de Valerio Mieli

Venise. Une rencontre dans un vaporetto. On pourrait croire à une histoire d’amour simple, presque un cliché. Mais Valerio Mieli s’est sûrement demandé pourquoi il faudrait faire une histoire d’amour comme on en a déjà vu si souvent, et il a donc décidé de créer une histoire complexe car la vie n’est jamais simple. Les gens évoluent, les sentiments aussi.

« Dix hivers à Venise » nous montre Camilla et Silvestro changer tout au long d’une décennie. Dix ans pour que s’épanouissent enfin néanmoins leurs sentiments de départ, ses sentiments qui vont ainsi créer une boucle, un cycle.

On retrouve ce motif visuellement lors de la scène du jogging de Camilla. Une église, vue en forte plongée, est au centre du champ. Puis on voit Camilla et Silvestro arriver, chacun d’un coté du bâtiment. Ils sont l’un en face de l’autre mais séparés par l’église qui forme comme le centre d’un cercle et qui les empêche de se voir. Ce qui est intéressant dans cette scène c’est qu’elle traduit parfaitement les sentiments et la situation des deux personnages, qui tout à la fois se cherchent et se repoussent : l’église les sépare mais, parce qu’elle les empêche de se voir et leur interdit donc de se fuir, elle les réunit à l’image. Ils sont à la fois éloignés et ensemble. De plus, ils vont tous deux vouloir aider un moine qui se trouve lui aussi à coté de l’église. Ils ne vont néanmoins pas le faire. Pensant à la même chose mais n’allant pas au bout de leur envie, ils abandonnent chacun à leur tour. Puis ils vont quitter la place où se trouve l’église, partant l’un après l’autre. Ainsi ils ne se rencontreront pas. Ce qui est fascinant dans cette scène c’est que le réalisateur arrive à transmettre toutes ces émotions sans paroles mais cependant avec beaucoup de poésie.

Ce film est d’autre part,très intéressant au niveau de la forme. La lumière utilisée, toujours dans les tons gris- bleus, claire et froide, reste très poétique. Elle représente les deux éléments directeurs de cette histoire : l’hiver et l’amour. Les sentiments gelés, figés.

Ce qui rend surtout ce film original est qu’il est composé de plusieurs épisodes séparés par des ellipses. Ellespermettent de ne raconter que ce qu’il se passe durant un hiver avant que l’on ne passe au suivant, permettant aux spectateurs d’imaginer ce qu’il s’est passé entre ces épisodes.

Pour conclure, ce film nous montre que les histoires d’amour ne sont pas toujours simples et que nos sentiments évoluent à mesure que nous même évoluons. Il est original car ce n’est pas l’histoire d’amour en elle même qui est racontée, mais seulement son prologue. Et rares sont les films qui abordent le sujet qu’est l’amour de ce point de vue.

Paloma, Appoline et Claire (lycée Jean Moulin)

Discours de remise du Prix du jury Jeune au Cinéma Le Savoy de Bourg Saint Maurice :

Bonjour à tous, nous sommes Antoine, Cindy, Johanna, Solène, Loriane, Ségolène, Coline, Isciane et Morgan. Nous sommes tous membres du Jury Jeune du Festival des Arcs cette année. Nous provenons de trois lycées: Saint-Exupéry, Louis Armand et Jean Moulin. Nous faisons partie de sections différentes: Littérature et Société de Bourg Saint Maurice, Cinéma de Chambéry et Histoire des arts d’Albertville. Nous avons passé une semaine au festival extrêmement enrichissante à visionner ensemble les films et à en débattre. Cela nous a permis de rencontrer des personnes de lycées différents, de découvrir beaucoup de films et d’échanger, croiser nos regards.

Nous tenons à remercier nos professeurs: Mme Husson de Saint-Exupéry, M. Deheuvels et Mme Gandin de Louis Armand, Mme Bourgeois et M. Thevenot de Jean Moulin sans qui rien n’aurait été possible.

Avant de remettre le Prix du Jury Jeune, nous avons décidé d’attribuer une Mention spéciale à un film qui nous a particulièrement touchés par son sujet actuel mais rarement traité. Nous l’avons remarqué pour son réalisme, la simplicité de ses personnages et la beauté de ses paysages. Il s’agit d’un film italien réalisé par Emanuele Crialese, Terraferma.

A présent nous allons remettre à l’unanimité le Grand Prix du Jury Jeune au film qui nous a le plus marqués. Il s’est distingué par sa force, sa justesse, la fraîcheur des personnages et son sujet difficile, traité avec subtilité. La petite larme qu’ils nous a tirée nous a fait choisir sans hésitation le film Death of a Superhero de Ian Fitzgibbon. Ce film nous a beaucoup émus et intéressés par son mélange de bande dessinée et de cinéma.